Hace un par de semanas os informamos de la inauguración de la interesante muestra ‘Maestros del Caos: artistas y chamanes’, que puede visitarse en el Caixaforum de Madrid hasta el próximo 19 de mayo. Tal y como os explicamos entonces, la exposición realiza una aproximación a la creatividad y religiosidad humana desde un punto de vista antropológico y etnográfico, un viaje a través de los rituales, las fiestas, las bacanales y los conjuros que se han realizado en muchas culturas para pactar con las fuerzas del caos y proteger a los hombres.

Volvemos a ocuparnos de esta exposición para recordaros que a partir del próximo 3 de abril, y de forma paralela a la exposición, tendrá lugar un ciclo de conferencias que, desde el punto de vista de la antropología cultural, realizará un recorrido por cuestiones relacionadas con la muestra, como el conocimiento del cosmos a través del conocimiento científico y su manifestación en las distintas artes. Este es el programa de las charlas:

Orden y caos en la teoría antropológica
Ubaldo Martínez Veiga, catedrático de Antropología de la UNED
Miércoles 3 de abril I 19.30 h

El caos creador
Jorge Wagensberg, director científico de la Fundación ”la Caixa”
Lunes 8 de abril I 19.30 h

Chamanismo y arte moderno
Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza
Miércoles 10 de abril I 19.30 h

El hecho teatral como retorno de la transgresión
Ignacio Amestoy, autor dramático y profesor de la Real Escuela Superior de Arte Dramático
Lunes 15 de abril I 19.30 h

¿No será el orden lo transgresor? Algunas preguntas desde el mundo de la música
Alfredo Aracil, compositor y profesor universitario de música
Lunes 22 de abril I 19.30 h

Retractación y ansiedad en la evolución de la literatura
Antonio García Berrio, catedrático de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada de la Universidad Complutense de Madrid
Lunes 29 de abril I 19.30 h

Todas las conferencias tienen un precio de 4 € por persona (50% de descuento para clientes La Caixa). Aforo limitado.

DATOS PRÁCTICOS DE LA EXPOSICIÓN (GRATUITA):

Maestros del Caos: artistas y chamanes (Del 6 de febrero al 19 de mayo). CaixaForum Madrid – Paseo del Prado nº 36, Madrid. Horario: De lunes a domingo, de 10 a 20 horas. Entrada gratuita.

Visitas comentadas para el público general:

Lunes y miércoles a las 19 horas / Martes y jueves, a las 13 horas / Viernes, a las 18 horas.

Sábados, domingos y festivos, a las 12 y a las 19 horas.

Precio por persona: 3 euros. 50% descuento para clientes de La Caixa.

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Vista exterior de la ermita de San Baudelio de Berlanga (Soria) | © Javier García Blanco.

A finales del siglo XIX y comienzos del XX, España se vio “invadida” por decenas de cazatesoros, en su mayoría extranjeros, que rastreaban pueblos y ciudades de nuestro territorio a la caza y captura de cualquier pieza artística que fuera posible comprar. Y, por desgracia, era posible comprar casi cualquier cosa: pinturas, piezas decorativas, rejerías, armaduras, retablos, artesonados, fachadas de iglesias e, incluso, claustros o templos enteros, que eran minuciosamente desmontados piedra a piedra y más tarde trasladados al otro lado del océano, generalmente a Norteamérica.

Allí, todas estas joyas del patrimonio artístico español iban a satisfacer el creciente afán coleccionista de un nutrido grupo magnates estadounidenses que, cautivados por una moda hacia todo lo español, estaban dispuestos a pagar grandes sumas por obras llegadas desde nuestro país. Aquella situación dio lugar a un verdadero tráfico de obras de arte y antigüedades en el que no sólo se vieron implicados extranjeros, sino también los propietarios de las piezas que iban a ser enajenadas y otros intermediarios españoles.

En palabras de José Miguel Merino de Cáceres, historiador y experto en la cuestión, el problema alcanzó tal magnitud que la cantidad de obras expoliadas igualó a la de países como Grecia, Egipto o Persia juntos, siendo sólo superada por la sufrida en Italia.

En esta sangría de nuestro patrimonio, que iba saliendo de nuestras fronteras a toneladas, uno de los casos más sonados fue el de la ermita soriana de San Baudelio de Berlanga. En el año 1922, un anticuario de origen italiano llamado León Leví acudió al obispo de Sigüenza –diócesis a la que pertenecía el recinto mozárabe– mostrando su interés por el templo y sus singulares pinturas, actuando en representación de un coleccionista americano llamado Gabriel Dereppe.

Interior de San Baudelio de Berlanga | © Javier García Blanco.

Leví explicó al prelado que su cliente tenía la intención de financiar una restauración del edificio, pero cuando el obispo le informó que los propietarios de la ermita eran varios vecinos de la localidad de Casillas de Berlanga, Leví no tuvo reparos en mostrar sus auténticas intenciones. Tras ponerse en contacto con los dueños del edificio, el cazatesoros y su cliente cerraron un acuerdo con ellos por valor de 65.000 pesetas de la época, cantidad por la que obtenían el derecho a llevarse las fabulosas y únicas pinturas románicas que decoraban su interior.

A comienzos de 1924 Leví ya había arrancado parte de las pinturas, pero la promulgación de una Real Orden obligó a la restitución de las mismas. Aquello dio lugar a un litigio que, pese a lo que cabría esperar, se saldó de forma positiva para Leví, Dereppe y los vendedores de las pinturas, pues el Tribunal Supremo acabó por dictar sentencia a su favor.

Fue así como las inigualables pinturas murales de San Baudelio de Berlanga salieron de España con destino a los Estados Unidos. Una vez en suelo americano, Dereppe las vendió a distintos museos, y buena parte de ellas acabaron en la sección medieval del Metropolitan de Nueva York.

Algunos años después, en 1957, las autoridades españolas negociaron un intercambio con el museo neoyorquino mediante el cual recibían parte de las pinturas de San Baudelio –hoy en el Museo del Prado–. Por desgracia, a cambio se entregó un ábside completo de la iglesia románica de San Martín de Fuentidueña, en Segovia, que los responsables del museo estadounidense utilizaron para construir una parte del edificio de The Cloisters (Los Claustros), una especie de frankenstein medieval levantado en pleno Manhattan y compuesto por fragmentos de distintos templos europeos.

ARTHUR BYNE, EL REY DEL EXPOLIO
Antes dijimos que en aquellos años proliferaron un buen número de extranjeros que dedicaron sus esfuerzos a saquear buena parte de nuestro patrimonio para satisfacer los intereses de un puñado de ricos coleccionistas, generalmente estadounidenses. En este lamentable escenario no faltaron tampoco –justo es reconocerlo–, anticuarios y expertos españoles que ayudaron a unos y otros a llevar a cabo sus fines.

El magnate estadounidense William Randolph Hearst | Crédito: Wikipedia.

Sin embargo, entre este variopinto y singular grupo de supuestos amantes del arte español –muchos de ellos se esforzaban por cultivar una imagen de respetables hispanófilos cautivados por nuestro patrimonio–, destacó de forma especial uno de ellos: el arquitecto y experto en arte Arthur Byne, quien ha sido calificado por Merino de Cáceres como figura clave del elginismo –así se denomina a la práctica del expolio, en “honor” del conde de Elgin, saqueador de los mármoles del Partenón– y “máximo depredador y exportador” de nuestro patrimonio.

A él debemos algunas de las rapiñas más lamentables de aquellos años, en muchos casos destinadas a un mismo comprador: el magnate estadounidense William Randolph Hearst, inspirador del personaje que Orson Welles llevó a las pantallas en Ciudadano Kane. Byne y su esposa –también historiadora– habían llegado a España en 1914 como representantes de la Hispanic Society de Nueva York (ver anexo).

En poco tiempo se convirtieron en figuras habituales en los actos culturales y sociales de la alta sociedad española, e incluso el mismísimo Primo de Rivera les condecoró por sus “méritos” a la hora de difundir y estudiar el patrimonio artístico español. Irónicamente, mientras los Byne aparecían en los diarios como un respetable matrimonio de hispanófilos, amantes de nuestro arte, al mismo tiempo sacaban cientos y cientos de piezas de valor incalculable fuera de nuestras fronteras. Y, por supuesto, lo hacían saltándose buena parte de las leyes españolas, como el propio Arthur Byne reconocía en sus cartas dirigidas a Hearst y a otros clientes, y sin titubear en sobornar a quien fuera necesario: funcionarios, periodistas, policías, inspectores de puertos…

Entre las “hazañas” más conocidas perpetradas por Byne se encuentran la “expatriación” de dos monasterios cistercienses: el de Sacramenia (Segovia) y el de Santa María de Óvila, en Guadalajara. En ambos casos los templos se desmontaron piedra a piedra, se transportaron al otro lado del Atlántico y más tarde fueron reconstruidos en suelo estadounidense.

Restos de la ermita de San Miguel en Sacramenia (Segovia) | Crédito: Wikipedia.

En el caso del recinto monástico segoviano –fundado en el siglo XII–, Byne ejerció como intermediario para Hearst, quien compró buena parte del monasterio en el año 1925. Para llevar a buen término la venta, Byne contó con toda la ayuda que el propietario –“una de las figuras preeminentes dentro de la dictadura militar”– le pudo prestar; eso incluía, entre otras cosas, acallar las críticas en la prensa. Sin embargo, aquella ayuda no fue suficiente, y Byne se vio obligado a ejercer su “influencia personal con el ministro de Bellas Artes”, y conseguir finalmente el permiso para llevar a cabo el traslado. Fue así cómo la sala capitular, el claustro y el refectorio se desmontaron y embalaron en nada menos que 11.000 cajas, cruzando el Atlántico con la intención de ser reconstruidos en suelo americano.

Sin embargo, las dificultades económicas que sufrió el magnate estadounidense impidieron durante años llevar a cabo esta tarea, por lo que las piedras segovianas descansaron en un almacén hasta 1952, cuando otros empresarios las adquirieron con es misma idea. No sería hasta 1964 cuando las estancias del antiguo monasterio recuperaran de nuevo su forma, al reconstruirse en Miami (Florida) para servir como iglesia episcopal y salón de bodas y banquetes.

 El caso del monasterio de Óvila no es muy diferente. Desde la Desamortización de 1835 la finca en la que se encontraba el recinto había estado en manos privadas, y en las primeras décadas del siglo XX el propietario era un tal Fernando Beloso Ruíz. Fue éste quien, “aconsejado” por Arthur Byne, compró al Estado los restos en ruinas del monasterio que se hallaban en su propiedad. El precio de la transacción fue disparatadamente ridículo: 3.130 pesetas de la época. Como en el caso anterior, el comprador final no era otro que William Randolph Hearst.

Aunque el 3 de junio de 1931 el recinto monástico fue declarado Monumento Nacional, ya era demasiado tarde. Para entonces la mayor parte del monasterio de Óvila se había desmantelado y embalado, y apenas unas semanas después salía de España –nada menos que en once barcos– con rumbo a San Francisco. Debido a los mismos problemas económicos que frenaron su proyecto de reconstrucción del monasterio de Sacramenia, Hearst se vio también obligado a guardar las grandes piedras del recinto de Óvila en un almacén. Allí estuvieron hasta 1941, cuando consiguió venderlas a la ciudad de San Francisco.

El claustro del monasterio de Óvila, ya desmantelado, en la década de 1930 | Crédito: Wikipedia.

Por desgracia, la construcción medieval siguió desmontada durante varios años, sufriendo nada menos que cinco incendios, lo que provocó la pérdida de buena parte del mismo. La portada de la iglesia se reconstruyó en 1965 y se instaló en el Young Memorial Museum, mientras que el resto de las piezas se emplearon, desde el año 1995, para dar forma a una nueva abadía cisterciense a unos 200 kilómetros al norte de San Francisco.

EXPOLIO MUDÉJAR
Las actividades clandestinas de Byne se cuentan por cientos, y abarcan prácticamente todo tipo de piezas y creaciones artísticas: pinturas, esculturas, piezas decorativas, armaduras y, como ya hemos visto, incluso edificios completos. Una compra-venta sin escrúpulos que nos privó de algunas riquezas artísticas irremplazables.

Entre las piezas más singulares, y que más atrajeron a ciertos coleccionistas (con el inefable Hearst a la cabeza), están los artesonados y techos mudéjares, en muchos casos de origen aragonés. Según estimaciones de Merino de Cáceres, en las primeras décadas del siglo XX salieron de España más de doscientos de estos techos, y más de la mitad de los mismos fueron adquiridos por dos coleccionistas: Addison Cairns Mizner y el ya citado William Randolph Hearst. Este último habría llevado a América nada más y nada menos que un total de 83 techumbres.

Una de las estancias del célebre “castillo” Hearst | Crédito: Wikipedia.

El excéntrico millonario (ver anexo), calificado por los estudiosos de la cuestión como “acumulador compulsivo”, dio sobradas muestras de su interés por este tipo de piezas, exclusivas de España y relativamente fáciles de desmontar, trasladar y volver a reconstruir. De hecho, no hay más que echar un vistazo a su célebre mansión californiana de San Simeón, conocida como Cuesta Encantada o Castillo Hearst, para descubrir en sus estancias varias de estas valiosas piezas de madera. Entre ellas se encuentran el techo de la llamada Casa del Judío de Teruel, comprada en 1922 por mediación de Byne u otra también de procedencia turolense –aunque sin identificar–, hoy ubicada en el dormitorio principal de la lujosa y excéntrica vivienda.

Otro de estos espectaculares techos comprados por Hearst, en este caso procedente de la localidad zaragozana de Tarazona, se encuentra hoy en una lujosa mansión de Monterrey (México) perteneciente a la familia del empresario Mauricio Fernández de Garza. Éste adquirió la fantástica creación mudéjar en 1975, y se sabe que la pieza perteneció al magnate de la comunicación, que se había visto obligado a desprenderse de ella debido a sus problemas financieros.

No faltan tampoco algunos ejemplos custodiados en distintos museos estadounidenses. En el Metropolitan de Nueva York, por ejemplo, cuentan también con algún artesonado mudéjar de los que Hearst adquirió antes de verse al borde de la ruina.

Y es que por sorprendente que nos pueda parecer, fueron varios los museos que también se beneficiaron –aunque fuera legalmente o al borde de la legalidad–, de las actividades clandestinas de personajes como Byne. Un buen ejemplo lo encontramos en el Museo de Bellas Artes de Boston. Allí, entre sus fondos, se encuentra una impresionante y bellísima portada románica extraída, hace ya 80 años, de la iglesia de San Miguel en Uncastillo (Zaragoza). Los encargados de hacer posible aquel desastre fueron el cazatesoros Kingsley Porter y nuestro ya viejo conocido Arthur Byne. Ambos actuaban como intermediarios de Charles H. Hawkes, por aquel entonces director asociado del museo estadounidense.

Fachada de la iglesia de san Miguel de Uncastillo | Crédito: Museum of Fine Arts, Boston.

A pesar de la reprobable actividad de estos “piratas” de arte, los auténticos responsables en este caso fueron otros: el párroco de Uncastillo y el obispo de Jaca que, aunque legítimos propietarios del templo, propiciaron el lamentable expolio. De hecho, no debemos olvidar que en buena parte de los casos, estas agresiones a nuestro patrimonio no habrían sido posibles de no contar con la permisividad y dejadez –cuando no ayuda directa– de particulares, instituciones y autoridades españolas del momento. En algunos casos por mero interés económico, y en muchas otras por simple desconocimiento y desinterés hacia los tesoros artísticos y culturales de nuestro país.

No hay que olvidar tampoco que, en muchos de estos casos de patrimonio enajenado, iglesias –como la de Uncastillo–, monasterios –como los de Sacramenia u Óvila– o ermitas –como la de San Baudelio de Berlanga–, se encontraban en estado casi ruinoso en el momento del expolio. Es muy posible que en algunos de estos casos, dichas obras de arte hubieran terminado por desaparecer, víctimas del abandono y la dejadez de propietarios e instituciones. Por paradójico que resulte, el expolio las salvó de la desaparición.

En cualquier caso el resultado –terrible para nuestro legado y herencia cultural– es que numerosas obras españolas de todas las épocas, estilos salieron de nuestro país a comienzos de siglo XX para ir a parar a colecciones privadas y museos estadounidenses.

ANEXO. EL ANSIA COLECCIONISTA DE “CIUDADANO KANE”.

Aunque hubo muchos otros personajes adinerados que se sumaron a la “moda” de adquirir piezas de arte español, sin duda alguna William Randolph Hearst (1863-1951) sobresalió por encima de todos. Propietario de uno de los mayores entramados mediáticos de su época (con más de 25 periódicos nacionales, emisoras de radio, revistas, etc.), Hearst se destacó por emplear sus medios de comunicación con fines políticos y comerciales, destacando su implicación en el comienzo de la guerra entre España y Estados Unidos, o su presión contra la Revolución Mexicana. En el caso del conflicto hispano-estadounidense, Hearst fue uno de los principales responsables de culpar a España del sabotaje al acorazado Maine, presionando al presidente McKinley a iniciar la guerra. Es muy probable que sus periódicos no hubieran ejercido una importante presión política, realizando una auténtica campaña antiespañola, el conflicto nunca hubiera tenido lugar.

Resulta irónico que tras esta enconada lucha contra España, Hearst se convirtiera años más tarde en el principal comprador de obras de arte españolas, que generalmente adquiría para decorar las distintas mansiones que poseía por el país. En este sentido, los expertos que han estudiado esta faceta suya destacan que Hearst no fue en realidad con coleccionista de gusto refinado, sino más bien un “acumulador” de obras maestras un tanto compulsivo y excéntrico. Cuando sus problemas económicos comenzaron a acuciarle seriamente, se vio obligado a vender buena parte del material expoliado en nuestro país, que acabó en manos de otros coleccionistas privados o de museos estadounidenses.

ANEXO. LA HISPANIC SOCIETY DE HUNTINGTON. ¿LA OTRA CARA DE LA MONEDA?

Comparado con el resto de millonarios extranjeros que se sumaron a la fiebre de arte español, Archer Milton Huntington fue sin duda alguna un caso completamente atípico. A diferencia de la mayor parte de sus compatriotas, Huntington no adquiría piezas de arte españolas con intención de decorar sus mansiones, de invertir o de hacer negocio con ellas. Muy al contrario, la finalidad de este millonario –hijo del magnate del ferrocarril Collis Huntington–, sincero hispanófilo, pasaba por crear una magnífica colección de arte español.

De hecho, la relación de Archer con nuestro país se remonta a su adolescencia, pues ya con apenas 15 años recibía clases para aprender español. Poco después, a los 22, visitó España por primera vez, y seguiría haciéndolo prácticamente todos los años durante el resto de su vida.

Totalmente ajeno a los intereses comerciales de su padre –nunca se preocupó por continuar el negocio familiar–, Huntington se puso como meta dar forma al mayor museo de arte español e iberoamericano, no sólo para albergar piezas artísticas, sino también para fomentar el estudio y la difusión de la cultura española. Fue así como en el año 1904 fundó en Nueva York la Hispanic Society of America, que sigue activa hoy en día, y que cuenta con la mayor colección artística de carácter hispano fuera de la península ibérica.

La colección de la sociedad, ubicada en Manhattan, cuenta con importantes pinturas de artistas de primer orden como Sorolla, Goya, Velázquez, Zurbarán, Ribera, El Greco, Zuloaga y muchos otros, así como una destacadísima selección de manuscritos, incunables y piezas numismáticas, entre otras muchas joyas de nuestro patrimonio.

Se dice a menudo que Huntington jamás adquirió una sola pieza de arte española mediante transacciones clandestinas, aunque este punto resulta poco probable. En todo caso, hay que reconocer que su intención era la de un sincero amante de nuestra cultura y nuestro arte, y que la institución que fundó es una de las más destacadas a la hora de difundir la riqueza de nuestro patrimonio fuera de nuestras fronteras.

El pasado 6 de febrero CaixaForum Madrid inauguró una nueva exposición que, bajo el sugerente título de ‘Maestros del caos: artistas y chamanes’ realiza una aproximación a la creatividad y religiosidad humana desde un punto de vista antropológico y etnográfico. Desde la más remota antigüedad, la lucha entre los opuestos, entre caos y orden, ha sido una obsesión para la mayor parte de las culturas que han poblado los cinco continentes.

Ahora, gracias a la muestra itinerante concebida por el prestigioso museo parisino Quai Branly –cuya única etapa en nuestro país es esta que presenta ahora el centro madrileño de la Obra Social La Caixa–, podemos realizar un viaje fascinante que nos conduce desde lo sagrado hasta lo profano, del caos al orden, a través de los mitos de distintas culturas.

Las diferentes secciones de la exposición nos presentan los mitos que explican el caos y los ritos practicados en torno a esa creencia. Paralelamente a los ritos de dimensión religiosa y sagrada, las fiestas son otro medio, más profano, que permite el desenfreno de las pulsiones transgresivas a través del fenómeno de la catarsis: bacanales, carnavales y aquejares constituyen momentos de inversión social donde lo burlesco y la risa son las respuestas profanas al orden establecida.

La muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 19 de mayo, cuenta con una notable colección de piezas y objetos de carácter etnográfico (más de 220 obras en total), que se entremezclan con las creaciones de artistas contemporáneos como Annette Messager o Jean-Michel Basquiat, entre otros. Así, la exposición se convierte en un viaje fantástico a través del mundo de los chamanes, los objetos de poder y las fuerzas del Cosmos.

Como complemento, los responsables del CaixaForum han elaborado un interesante ciclo de conferencias sobre la cuestión y su relación con las culturas y las artes, sobre las que os informaremos en las próximas semanas.

DATOS PRÁCTICOS:

Maestros del Caos: artistas y chamanes (Del 6 de febrero al 19 de mayo). CaixaForum Madrid – Paseo del Prado nº 36, Madrid. Horario: De lunes a domingo, de 10 a 20 horas. Entrada gratuita.

Visitas comentadas para el público general:

Lunes y miércoles a las 19 horas / Martes y jueves, a las 13 horas / Viernes, a las 18 horas.

Sábados, domingos y festivos, a las 12 y a las 19 horas.

Precio por persona: 3 euros. 50% descuento para clientes de La Caixa.

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Después del revuelo informativo que generó el anuncio del “hallazgo” de “la Gioconda” del Museo del Prado a comienzos de este mes de febrero, la pinacoteca madrileña ha dado a conocer sus primeras conclusiones sobre esta pintura realizada de forma paralela a La Mona Lisa del maestro Leonardo.

En ellas los expertos del museo se reafirman en el carácter excepcional de la obra, señalando que fue posiblemente uno de los discípulos preferidos de Leonardo –Salaï o Francesco Melzi– quien pintó este óleo sobre tabla de nogal al mismo tiempo que lo hacía el maestro. Esa es la explicación de que la obra no sea simplemente una imitación de lo que se observa a simple vista en la Gioconda original, sino que los exámenes técnicos han revelado que el autor de la misma fue retocando y corrigiendo a la par que lo hacía Leonardo Da Vinci.

A continuación os dejamos con dos vídeos compartidos por el propio Museo del Prado. En el primero de ellos se analizan con detalle el estudio técnico y la restauración a la que fue sometida la tabla, un trabajo en el que participaron los expertos del museo Ana González Mozo, Almudena Sánchez Martín y Miguel Falomir, entre otros. En el segundo vídeo, este último estudioso –jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del Museo– comenta la copia de La Gioconda.

Fuente: Las principales conclusiones sobre ‘La Gioconda’ del Prado (Hoyesarte.com)

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El revuelo que ha causado la noticia ha sido más que notable. Y no sólo en los medios españoles –algo de esperar, por otra parte–, sino también en los internacionales. De hecho, ha sido un diario extranjero, el The Art Newspaper, quien ha “levantado la liebre”, como suele decirse en el argot periodístico. Como seguro que ya sabéis, el Museo del Prado ha sacado a la luz una “copia” de la célebre Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci que se encontraba entre sus fondos, y que hasta la fecha había sido considerada una copia más de entre las muchas que se conocen.

La novedad, en este caso, se encuentra en el hecho de que la obra –un óleo sobre tabla– es en realidad una réplica realizada al mismo tiempo que la pintura original, y casi con total certeza por parte de uno de los discípulos de Leonardo: bien Salai, bien Francesco Melzi.

Nuestro compañero Javier García Blanco ha estado muy pendiente todo el día de las informaciones que han ido surgiendo acerca de esta apasionante historia, y ha dejado sus impresiones en ‘Arte Secreto’, el blog sobre curiosidades artísticas que coordina en Yahoo! Noticias España. Os invitamos a que os paséis por ese breve artículo, y por otro de sus textos sobre las relaciones entre Leonardo da Vinci y España, que casualmente ocupa la portada de Planeta Sapiens desde hace un par de semanas.

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Si hace sólo unos días os informábamos de la inauguración de una nueva exposición en el Museo Thyssen de Madrid, hoy es el turno de hablar de otra interesante muestra que es posible visitar en la capital de España. Se trata de Delacroix (1798-1863), exposición presentada por CaixaForum Madrid, y en la que se han reunido más de 130 obras del genial artista francés, procedentes de colecciones públicas y privadas de Europa y América, permitiendo un completo repaso a la evolución del pintor, desde sus comienzos hasta su final, momento en el que procuró realizar una síntesis del conjunto de su obra.

Entre las obras presentadas al público se encuentran auténticas obras maestras de este pintor, como Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi, Mujeres de Argel en sus habitaciones (pintura prestada de forma excepcional por el parisino Museo del Louvre) o uno de los bocetos de La muerte de Sardanápalo. Delacroix realizó en 1832 un viaje al norte de África que le hizo recalar en tierras españolas. Fueron sólo quince días los que pasó en Córdoba, Sevilla y Granada, pero aquella estancia supuso una notable influencia en su obra, convertida en su tiempo como muestra de la pintura romántica frente al más académico neoclasicismo.

Mujeres de Argel en sus aposentos (1834), Delacroix. © 2009 Musée du Louvre / Erich Lessing.

Boceto de La Muerte de Sardanápalo (1826-1827), Delacroix. © 2009 Musée du Louvre / Erich Lessing.

El comisario de la exposición es el conservador jefe del Departamento de Pintura del Museo del Louvre, Sébastien Allard, y la muestra estará en marcha hasta el próximo 15 de enero de 2012. Una cita imperdible para los amantes del arte y, en especial, para aquellos interesados en la pintura del siglo XIX. A continuación podéis ver un breve vídeo sobre los contenidos de la muestra.

INFORMACIÓN PRÁCTICA PARA VISITANTES:

CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 35. 28014, Madrid.

Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 horas.

Precio: Actividad gratuita.

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Si nos sigues habitualmente, ya sabrás que en otras ocasiones nos hemos hecho eco de las distintas iniciativas culturales realizadas por la gente de Keep Walking Project – Johnie Walker, como la interesante Fotoactitudes.

Estos chicos no paran quietos –hacen honor a su nombre–, y esta vez nos sorprenden con otra curiosa idea bautizada como Global Pasos JW. La idea es la siguiente: Johnie Walker ha seleccionado tres proyectos pioneros en el mundo de la tecnología, el arte y los negocios, y nos da la oportunidad de que, con nuestra participación –por medio de pasos, tanto reales como virtuales– ayudemos a escoger uno que se haga realidad. ¿Cuáles son estos proyectos? Te lo explicamos a continuación:

1. Proyecto tecnológico: Los pasos pueden acumular energía y transformarse en electricidad gracias al ingenio de las baldosas creadas por Pavegen. Apuesta por la energía renovable.

2. Proyecto empresarial: Las ideas mueven el mundo y Hub Culture te da los medios para que las materialices gracias a la ayuda de 25.000 expertos.

3. Proyecto artístico: La ciudad también tiene sueños donde Ze Frank nos da la oportunidad para que éstos sean escuchados.

¿Ya tienes claro cuál te gustaría que se convirtiese en realidad? Pues ahora te explicamos cómo puedes hacerlo. Tienes dos opciones. Si tienes un iphone, puedes descargarte e instalar una aplicación específica, totalmente gratuita, que contabilizará los pasos reales que des durante el día mientras vas de aquí para allá. La segunda opción pasa por instalar una aplicación (también gratuita) para Facebook, y en este caso los “pasos”, virtuales, se generan cuando compartes contenido con tus amigos, bien comentando el proyecto que has seleccionado, bien invitándoles a participar a ellos también. Cuanta más gente logres hacer partícipe, más pasos acumularás. Sólo tienes que pasarte por aquí para instalar cualquiera de las dos Apps.

Cuando hayas acumulado tus pasos, podrás donarlos a tu proyecto favorito. Si resulta ganador, dicho proyecto se hará realidad, y verá la luz en Madrid en abril de 2012. Tienes de tiempo hasta el 10 de noviembre.

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El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta desde mediados de febrero la exposición Jean-Léon Gérôme (1824-1904), fruto de un ambicioso proyecto conjunto con el J. Paul Getty Museum y el Musée d’Orsay, y que supone la primera gran muestra monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, así como su presentación en España por primera vez. La cuidada selección de óleos y esculturas que podrá verse en Madrid es una versión reducida de la gran retrospectiva mostrada en los Ángeles y en París sucesivamente a lo largo de 2010. En las salas del Museo Thyssen-Bornemisza se reunirán cerca de 60 obras, entre las que se encuentran algunos de sus trabajos más emblemáticos y sobresalientes, abarcando todos los aspectos de su larga y prolífica trayectoria artística.

Pollice Verso (1872), Jean-Léon Gérôme. © Museo Thyssen-Bornemisza.

Gérôme fue uno de los pintores más célebres de su época, aunque fue también objeto de críticas y polémicas a lo largo de toda su carrera. Su popularidad fue en buena medida fruto de su preocupación por la difusión de sus obras, que traspasó las fronteras de Francia y llegó incluso a los Estados Unidos donde, desde la década de 1870, fue uno de los artistas más admirados y coleccionados. Gérôme se familiarizó muy pronto con la nueva creación fotográfica y, como la mayoría de artistas del momento, recurrió a fotografías para componer algunos de sus cuadros y, sobre todo, aprendió a aprovechar este nuevo medio para “vender” su obra. A petición de su marchante y editor, Adolphe Goupil -que más adelante se convertiría en su suegro-, desde 1859 Gérome empezó a utilizar reproducciones fotográficas y estampas para divulgar sus trabajos y supo adaptar su obra a la política editorial llevada a cabo por Goupil, combinando  hábilmente los temas anecdóticos que garantizaban su éxito popular con una composición pensada para su adaptación al formato más reducido del grabado o del revelado fotográfico. Aún con los reproches por parte de la crítica artística del momento, Gérôme logra crear así imágenes impactantes que marcan la memoria del espectador.

Pelea de gallos (1846), Jean-Léon Gérôme. © Museo Thyssen Bornemisza.

El núcleo central de la exposición lo constituye una magnífica representación de su pintura de historia, incluyendo los grandes temas que centraron su atención: la Roma antigua, las escenas napoleónicas y las del reinado de Luis XIV. En todos ellos la originalidad de Gérôme reside en el rechazo al  “gran tema” y al papel edificador tradicionalmente asociado a este tipo de obras. Prefiere representar en sus cuadros de historia no el momento culminante de un hecho histórico sino la anécdota, y lo hace escogiendo para inmortalizar en sus lienzos la escena inmediatamente anterior o posterior; de esta forma les confiere también un carácter marcadamente narrativo, enfatizado por el sentido teatral de la composición y una concepción de la escena prácticamente cinematográfica. Sus eruditas representaciones de la civilización romana y el culto por el detalle arqueológicamente exacto han servido de referencia para realizaciones cinematográficas del género: óleos como La muerte de César (1867) o Pollice Verso (1872) muestran escenas con un paralelismo evidente en cintas emblemáticas como Quo Vadis de Mervyn LeRoy (1951) o Ben-Hur de William Wyler (1959).

INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE

Dirección: Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.

Lugar: Sótano primero, Palacio de Villahermosa Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. La taquilla cierra a las 18:30h.

Tarifas:
- Entrada exposición: general 7 €; reducida (mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación y grupos familiares formados por al menos un adulto y tres descendientes -o dos, si uno de ellos tiene alguna discapacidad-, incluidos en el mismo título de familia numerosa) 4,5 €.
- Entrada combinada (Colección Permanente + exposición): general 12 €, reducida 7 €. – Entrada gratuita: menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo. Audio-guía, disponible en varios idiomas Información y venta anticipada de entradas en el 902 760 511 y en www.museothyssen.org

Si os gustan las obras de Gérôme, pero no vais a tener ocasión de visitar la exposición, podéis echar un vistazo a la galería de obras que hay que Wikipedia, en esta dirección.

Texto y fotos: Prensa Museo Thyssen

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Si has tenido ocasión de contemplar en persona la magnífica Capilla Sixtina, obra maestra de la pintura universal realizada por el genial Miguel Ángel, sabrás que cualquier intento de tomar fotografías en el célebre recinto vaticano va acompañado de una inmediata reprimenda por parte de los responsables de la seguridad, aunque no haya flash de por medio. Si por este motivo te quedaste con las ganas de contemplar con más detalle esta maravilla de la Historia del Arte, o si nunca has tenido ocasión de verla con tus propios ojos, ahora es posible escudriñar todos sus rincones gracias a una aplicación web puesta en marcha por los Museos Vaticanos.

Se trata de una aplicación en Flash en la que, gracias a un sistema similar al que utiliza Google en su Streetview, es posible seguir todos los detalles de esta maravilla ejecutada por Miguel Ángel. Como bonus, los responsables de la web han incluido una música sacra que suena de fondo, y que ameniza –al menos durante un rato–, el “paseo” virtual por la famosa capilla.

Visita virtual a la Capilla Sixtina

Fuente: Sistine Chapel, un tour virtual por la Capilla Sixtina (Genbeta)

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La muerte de Michelangelo Merisi –más conocido como Caravaggio–, ha estado siempre envuelta en el misterio. El genial pintor barroco, nacido en Milán en 1571, tuvo una vida breve pero agitada, pues se movió siempre entre las polémicas suscitadas por sus obras –algunas de las cuáles fueron rechazadas por ir contra la idea del decoro existente en la época– y sus múltiples altercados públicos. Fue precisamente una de estas peleas, acaecida en mayo de 1606, la que marcaría definitivamente el resto de su existencia: en aquella ocasión, Caravaggio causó la muerte de un tal Ranuccio Tomassoni –al parecer de forma accidental–, lo que causó su caída en desgracia.

A pesar de que en otras ocasiones sus mecenas, y especialmente el cardenal del Monte, habían intercedido por él para resolver distintos enredos, el homicidio era un delito demasiado grave, y Caravaggio se vio obligado a huír de Roma. Comenzó así un peregrinaje que duró cuatro años, y que le llevó a establecerse sucesivamente en Nápoles, Malta, Messina, Siracusa y Palermo. En 1610, habiendo llegado hasta él rumores de que iba a recibir el perdón, emprendió su viaje de regreso a Roma, aunque jamás llegaría a pisar la ciudad. En julio de ese año comenzaron a llegar confusas noticias a la Ciudad Eterna que afirmaban que el pintor había perdido la vida en una playa de Porto Ércole, a poco más de 150 kilómetros de Roma.

Ahora, cuando faltan pocos meses para que se cumplan 400 años de la muerte del célebre pintor, un equipo de antropólogos italianos, dirigido por el profesor Georgio Grupponi ha decidido desenterrar el osario con los restos de Caravaggio –custodiado en Porto Ércole– para intentar desentrañar el enigma de las causas de su muerte. Hasta la fecha, los historiadores han propuesto distintas hipótesis para explicar el fallecimiento: para unos Merisi falleció como consecuencia de la malaria, otros culpan al tifus, mientras que para los más aventurados todo tendría su origen en causas más propias de una novela de misterio, como un asesinato por un ajuste de cuentas (hipótesis planteada en un documental de la BBC realizado por Andrew Graham-Dixon).

Por el momento los restos han sido llevados a la Universidad de Bolonia, donde serán sometidos a distintos análisis y comparados con muestras procedentes de algunos de sus descendientes. Más tarde se procederá a su exhibición pública en la galería Borghese de Roma, y finalmente se procederá a su enterramiento en un nuevo lugar todavía sin determinar. Por el momento habrá que seguir esperando un poco más para saber si, finalmente, los estudios científicos aclaran el enigma de su muerte…

Fuente: Caravaggio’s remains are removed (BBC News)